En el pódcast de Pura Plaza, Sabina Fonseca y Luz Stella Soto Sepúlveda comparten cómo han construido sus proyectos desde la experiencia, el día a día y el trabajo conjunto con sus familias.
La conversación recorre sus inicios, los retos de mantenerse, las formas en que organizan el trabajo y el papel que han tenido como mujeres dentro de estos espacios.
Sabina Fonseca ha estado siempre en el negocio familiar. Ha pasado por todas sus etapas: desde la venta en la calle, el crecimiento a varios locales, los cierres y la pausa durante la pandemia, hasta la reactivación.
Aunque tiene formación en administración de empresas, su lugar está en la cocina, donde trabaja junto a su mamá y su hermana. Allí prepara productos como la longaniza, la morcilla y el chorizo, siguiendo recetas y prácticas que aprendió en casa.
Luz Stella Soto Sepúlveda, nacida en Villa del Rosario, Santander, llegó a Bogotá en la década de los 80 junto a su madre, Graciela Sepúlveda, después de pasar por Fusagasugá.
Con el tiempo, ambas decidieron abrir su restaurante en la Plaza de Mercado de Kennedy: ‘Las Gemelas’. El nombre surgió a partir de una confusión entre madre e hija, que terminó convirtiéndose en la identidad del negocio.
Las historias de Sabina y Luz Stella muestran cómo funcionan estos negocios por dentro con participación de varias generaciones, con aprendizajes que no siempre vienen de la academia y con formas de trabajo menos rígidas. En las plazas de mercado, la cocina también es una manera de organizar la vida familiar y de proyectar el negocio hacia quienes vienen después.
Lo que comenzó como el sueño musical de cuatro amigos de colegio se convirtió, con los años, en un proyecto artístico que ha sabido encontrar su propia voz dentro del rock colombiano. Con más de una década de trayectoria, Oh’laville ha demostrado que la constancia, la experimentación y la fidelidad a su esencia pueden abrirse camino en la industria independiente.
Una amistad que se convirtió en banda
La historia de Oh’laville comienza mucho antes de los escenarios. Mateo París, Andrés Toro, Andrés Sierra y Luis Lizarralde se conocieron en el colegio y desde muy jóvenes descubrieron que, además de la amistad, compartían una profunda conexión con la música. Ese interés común los llevó a aprender a tocar instrumentos casi al mismo tiempo y a reunirse inicialmente para interpretar canciones de otros artistas.
Lo que empezó como encuentros casuales entre amigos pronto mostró un potencial creativo propio. La química musical era evidente y decidieron dar el paso hacia la composición de material original, sentando así las bases de una banda que con el tiempo se consolidaría dentro de la escena alternativa colombiana.
Desde sus primeros ensayos entendieron que su fortaleza no estaba solamente en el talento individual, sino en la confianza y el conocimiento mutuo construido durante años de amistad, una relación que hoy sigue siendo uno de los pilares de su identidad artística.
Desde su formación en 2009, la banda ha construido una discografía que refleja su crecimiento artístico y personal. Su primer álbum, Pedazos de Papel (2011), presentó una propuesta más acústica y orgánica, donde las melodías suaves y las atmósferas íntimas marcaron su punto de partida.
Años después llegaría Anaranjado (2015), un trabajo donde exploraron sonidos más eléctricos y arriesgados, incorporando nuevas texturas y ampliando su identidad sonora. Este proceso continuó con Soles Negros (2019), un disco que consolidó su madurez musical y les permitió ampliar su alcance dentro y fuera del país.
Más recientemente, con Movimientos para soltar el alma (2025), el grupo propone una reflexión sobre los retos de la vida y la forma en que las personas los enfrentan, retomando la energía de sus primeros trabajos pero con una mirada más madura y experimental.
Un sonido que no quiere etiquetas
Hablar del sonido de Oh’laville implica reconocer que se trata de una propuesta difícil de encasillar en un solo género. Su música transita entre el rock alternativo, el folk, la electrónica, el blues e incluso elementos del post-punk y el trip-hop.
Más que definirse por una etiqueta, la banda ha preferido construir un lenguaje propio donde conviven guitarras atmosféricas, bajos profundos, percusiones expresivas y letras que buscan generar imágenes más que contar historias lineales.
Otro rasgo distintivo es su interés por los momentos instrumentales largos, donde la música toma el protagonismo y permite crear paisajes sonoros que dialogan con lo visual. Esta aproximación, cercana a lo cinematográfico, es parte esencial de la experiencia que proponen tanto en sus grabaciones como en sus conciertos.
Influencias e inspiración: del cine a la vida cotidiana
Las referencias de Oh’laville son tan diversas como su sonido. Entre sus influencias aparecen bandas internacionales de rock alternativo, pero también géneros latinoamericanos y exploraciones sonoras más experimentales.
Sin embargo, más allá de las referencias musicales, una de sus principales inspiraciones ha sido la vida misma: los cambios personales, las giras, el paso a la adultez y los retos propios de sostener un proyecto independiente. Todo esto se traduce en canciones que buscan transmitir emociones profundas y construir atmósferas cargadas de significado.
También hay una intención clara de entender la música como una obra integral donde el sonido, la imagen y el concepto narrativo conviven, lo que explica su interés por los elementos audiovisuales y la construcción estética alrededor de cada disco.
Bogotá como escenario y punto de partida
La relación de la banda con Bogotá no es solamente geográfica sino también creativa. La ciudad ha sido el escenario donde crecieron, ensayaron y comenzaron a tocar, pero también una fuente constante de inspiración.
Sus canciones, de alguna manera, reflejan los contrastes de la capital: la melancolía y la energía, la velocidad y la introspección, el caos y la belleza. Además, han sido parte activa del fortalecimiento de la escena independiente, participando en festivales, creando espacios propios y apostando por el crecimiento colectivo del circuito alternativo.
Su trayectoria también evidencia los retos de ser una banda independiente en Colombia y la importancia de construir público a través de la constancia, los conciertos y la evolución artística.
Oh’laville llega a La Nevera Sesiones
Como parte de ese recorrido musical, Oh’laville también será protagonista de La Nevera Sesiones, un espacio que permite conocer a los artistas desde un formato cercano y auténtico, donde la música y la ciudad se convierten en el centro de la conversación.
Será una oportunidad para descubrir la esencia de una agrupación que ha hecho de la exploración sonora, la amistad y la búsqueda artística, los motores de su trayectoria.
Oh’laville: la banda sonora de las tardes grises y los cerros bogotanos en La Nevera Sesiones
Las historias que nacen en Bogotá, las que recorren sus calles, retratan su diversidad y amplifican las voces de su gente, hoy reciben un nuevo reconocimiento. Canal Capital celebra las nominaciones de varias de sus producciones en los Premios India Catalina 2026, uno de los galardones más importantes de la industria audiovisual colombiana.
Desde el periodismo que informa sobre hechos de la ciudad, hasta los contenidos musicales, culturales, infantiles y digitales que conectan con nuevas audiencias, estas nominaciones reflejan una apuesta por contar Bogotá desde múltiples miradas, formatos y generaciones.
Nominaciones de Canal Capital a los Premios India Catalina 2026
Este año llegamos a los Premios India Catalina con tres nominaciones que nos llenan de emoción y gratitud. Más que cifras, son el reflejo de un trabajo hecho con compromiso, ideas y mucho corazón, pensando siempre en conectar de verdad con la audiencia.
Cada nominación representa al equipo que está detrás, a las historias que hemos contado y a la convicción de seguir haciendo contenidos que se sientan cercanos y honestos.
Bogotá se prepara para rendir homenaje a una de las mentes más brillantes y coloridas de su historia reciente, pues a partir del próximo 14 de marzo de 2026, la Biblioteca Pública Virgilio Barco abrirá sus puertas a ‘Ródez : eterno bibliófilo‘, una exposición inédita que celebra el legado de Édgar Rodríguez, un artista que logró que el arte urbano y la literatura caminaran de la mano por las calles de Bogotá.
¿Quién fue Ródez? El maestro de los mil ojos
Para entender la importancia de esta muestra, hay que recordar quién fue Ródez, quien falleció en 2021, este artista, ilustrador y pionero muralista bogotano, fue el hombre que llenó las paredes de Bogotá con personajes fantásticos, animales oníricos y, sobre todo, sus icónicos seres de múltiples ojos que parecían vigilar la ciudad con curiosidad infinita
Pero más allá del aerosol, Ródez fue un apasionado de los libros, ya que como profesor de la Universidad Nacional y destacado ilustrador de literatura infantil, siempre creyó que una imagen podía contener todo un universo literario, es por eso que el título de esta exposición no es casualidad, pues Ródez fue un bibliófilo eterno, alguien que coleccionaba historias tanto en su mente como en sus pinceles.
Una experiencia inmersiva en la Virgilio Barco
La exposición, organizada por BibloRed, no es una simple galería de cuadros, pues está se trata de una propuesta interactiva y efímera ubicada en el tercer piso de la biblioteca, donde los asistentes podrán sumergirse en el universo visual del artista a través de una museografía que dialoga con la arquitectura de la Biblioteca Pública Virgilio Barco y con el concepto del libro como objeto de arte.
La inauguración será una verdadera fiesta cultural el sábado 14 de marzo que irá desde las 2:00 p.m. a las 7:00 p.m., con una programación que incluye:
Visitas guiadas: Lideradas por expertos como Carlos Riaño y el Colectivo Cruce de Caminos.
Música y video: Proyecciones sobre la obra del maestro y un selector musical invitado.
Videomapping: El cierre estará a cargo de «El Reojo Ciego» con la intervención audiovisual “El venado de oro”, inspirada en la mística de sus personajes.
Está experiencia nos recuerda que las bibliotecas son espacios vivos donde la lectura dialoga con otras formas de creación, permitiendo esta muestra crear una invitación a recordar que el arte de Ródez sigue vivo cada vez que alguien se detiene a mirar uno de sus murales o abre un libro ilustrado por él.
La exposición estará disponible de manera gratuita hasta el 5 de abril de 2026, es el plan perfecto para familias, estudiantes de artes y ciudadanos que quieran reconectarse con la Bogotá que sueña, imagina y resiste a través del color.
La serie La Vorágine, adaptación contemporánea de la novela de José Eustasio Rivera, regresa a las pantallas de Canal Capital. Desde el próximo 23 de marzo se volverán a emitir los 8 capítulos de lunes a viernes, a las 9:30 p. m.
Esta producción fue filmada en escenarios reales de la Orinoquía y la Amazonía y con un enfoque que destaca las violencias históricas presentes en el país. Esta versión audiovisual busca acercar la obra, publicada hace un siglo, a nuevas audiencias tanto dentro como fuera de Colombia.
Su narrativa propone una lectura actualizada de los conflictos sociales y ambientales que retrata el libro, manteniendo su vigencia frente a los desafíos del presente.
Prográmese y no se pierda esta serie que le dará una nueva forma de acercarse a uno de los clásicos más importantes de la literatura colombiana, con una mirada actual que resalta su vigencia y capacidad de diálogo con el presente.
Bogotá suena a muchas cosas: al ruido de los autos que transitan por la 30, al eco de los pasos de quienes recorren el centro histórico, al murmullo de una ciudad que nunca deja de moverse, y a múltiples géneros que reflejan la diversidad de su gente, incluyendo la cumbia.
Nacida entre el frío capitalino y la exploración, mantiene las raíces del género mientras encuentra nuevos caminos para sonar distinta, fusionando ritmos, y dejándose influenciar por otras tendencias musicales; una cumbia como la de Frente Cumbiero.
La agrupación bogotana ya cuenta con más de 15 años de trayectoria, explorando las raíces de la música tropical colombiana mientras dialoga con sonidos modernos, electrónicos y experimentales, demostrando que la tradición siempre puede reinventarse sin alejarse de su origen.
Frente Cumbiero ha llevado su propuesta musical a escenarios de cada continente, conquistando públicos desde países como Estados Unidos, Brasil y Canadá hasta territorios un poco más lejanos como Japón, Alemania, y Rumania.
Bajo el liderazgo del músico y productor Mario Galeano, la agrupación ha trascendido fronteras dando a conocer esta experiencia sonora, donde los sonidos del Caribe se entrelazan con la energía de Bogotá, fusionando folclore y vanguardia.
Con una base sólida en la capital, su público global no deja de crecer, mientras siguen ampliando su alcance internacional, construyendo puentes musicales a través de proyectos con artistas de diferentes culturas, idiomas y maneras de concebir la música.
En una ciudad de contrastes como Bogotá, su sonido confirma que incluso en el frío de la capital, los ritmos tropicales siguen encontrando nuevas formas de florecer.
La cumbia como un lenguaje vivo para dialogar con nuevas sonoridades
Frente Cumbiero no se creó con un objetivo comercial, como lo ha reconocido muchas veces Galeano, en realidad es lo que menos les quita el sueño, el reconocimiento que han alcanzado ha sido el resultado de una búsqueda por encarrilarse hacia caminos distintos, que les permitan conectar de forma auténtica con el público.
Han tejido un sonido propio que une la cumbia, como punto de partida, con el aporte de otros estilos, incluyendo el jazz, la electrónica, el rock, el afrobeat, entre muchos otros, construyendo una firma sonora única que los hace destacar.
En su trabajo han combinado lo analógico con lo digital, el uso de instrumentos que conviven con los sintetizadores, su interés por la historia musical del continente, su inclinación hacia la psicodelia setentera, siempre buscando una coherencia, sin forzar nada ni buscando sonar excesivamente prolijos.
Más que una banda, Frente Cumbiero representa una forma de entender la música como un proceso vivo, en constante transformación, no busca quedarse en el pasado, sino dialogar con él.
Una discografía que expande los límites de la cumbia
A través de su discografía han mostrado su voluntad de romper moldes; en 2010, en su álbum ‘Frente Cumbiero Meets Mad Professor’, la agrupación presentó un encuentro sonoro entre la cumbia y el dub, mientras apostaba por llevar la música tropical hacia terrenos más electrónicos.
Con ‘Cera Perdida’, reafirman su interés por llevar la música tradicional hacia nuevas sonoridades, reinterpretando el folclore desde una perspectiva contemporánea, alejándose de los estereotipos asociados a lo tropical y proponiendo una mirada distinta, donde la cumbia revela otras facetas.
En ‘Inconcreto & Asociados’, no solo exploran la diversidad de ritmos latinoamericanos, también los celebran en un trabajo donde los vientos y las percusiones dialogan con los sintetizadores; mientras las colaboraciones con artistas de otros países aportan una identidad plural, que presenta la cumbia como un fenómeno continental más que nacional.
Frente Cumbiero se toma San Felipe en una nueva edición de La Nevera Sesiones
En una ciudad que late con múltiples ritmos, La Nevera Sesiones abre un espacio para escuchar a Bogotá tal como suena: diversa y en constante movimiento, llevando la música de vuelta al espacio público, y convirtiendo la cotidianidad de la capital en parte del espectáculo.
En esta ocasión, San Felipe recibe a Frente Cumbiero, un proyecto que ha hecho de la cumbia un territorio de exploración sonora y de su propuesta musical un lienzo abierto para experimentar, sin líneas que delimiten su camino ni fórmulas que los mantengan estáticos.
La música de Super Mario Bros es una de las melodías más reconocibles de la historia de los videojuegos. Fue compuesta por el músico japonés Koji Kondo para Nintendo y apareció por primera vez en 1985 junto con el lanzamiento del videojuego para la consola Nintendo Entertainment System (NES).
La pieza principal, conocida como “Ground Theme”, nació en medio de las limitaciones tecnológicas de los sistemas de 8 bits, pero terminó convirtiéndose en un símbolo global de la cultura pop.
El origen de la música de Mario Bros
La historia comienza en 1984 en Japón, cuando Koji Kondo aplicó para trabajar en Nintendo. La compañía estaba desarrollando un nuevo videojuego que terminaría cambiando para siempre la industria: Super Mario Bros.
Kondo, que tenía formación musical y experiencia tocando en ensambles, fue contratado para crear la música de los juegos de la compañía. Su reto sería desarrollar una banda sonora que acompañara la experiencia del jugador.
Componer con tecnología de 8 bits
La creación de la música de Super Mario Bros estuvo marcada por las limitaciones técnicas de la época.
La consola NES solo permitía trabajar con cuatro canales de sonido:
Tres canales melódicos
Un canal de percusión
Esto obligaba a los compositores a crear melodías simples, claras y fáciles de recordar.
Koji Kondo entendió que la música debía acompañar el movimiento del personaje. La melodía debía sentirse sincronizada con los saltos, carreras y obstáculos del juego.
El nacimiento de “Ground Theme”
Para crear la música principal de Mario, Koji Kondo se inspiró en distintos estilos musicales, entre ellos:
ritmos del calypso caribeño
elementos del pop japonés de los años 80
patrones repetitivos diseñados para no cansar al jugador
El resultado fue “Ground Theme”, la canción que suena en el primer nivel de Super Mario Bros y que hoy es una de las melodías más reconocibles del mundo.
Un fenómeno cultural
Cuando Super Mario Bros se lanzó en 1985, el videojuego se convirtió rápidamente en un fenómeno mundial.
Su música trascendió el juego y pasó a formar parte de la cultura popular. Con el tiempo ha sido interpretada por orquestas sinfónicas, reinterpretada por músicos y utilizada en múltiples producciones audiovisuales.
Hoy la música de Mario es considerada una de las bandas sonoras más influyentes en la historia del gaming.
El legado de Koji Kondo
Tras el éxito de Super Mario Bros, Koji Kondo continuó trabajando para Nintendo y compuso música para otra saga legendaria de la compañía: The Legend of Zelda.
Entre sus trabajos más destacados se encuentra la banda sonora de The Legend of Zelda: Ocarina of Time, considerada una de las mejores composiciones musicales en la historia de los videojuegos.
Gracias a su trabajo, Kondo es reconocido hoy como uno de los pioneros de la música para videojuegos.
Y ustedes ¿recuerdan la primera vez que jugaron Mario?
DESCONGELADOS
Preguntas frecuentes sobre la música de Super Mario Bros
Resolvemos algunas dudas clave sobre el origen, el compositor y la importancia cultural
de una de las melodías más famosas en la historia de los videojuegos.
¿Quién compuso la música de Super Mario Bros?
La música fue compuesta por el músico japonés Koji Kondo,
quien comenzó a trabajar en Nintendo en 1984.
¿Cómo se llama la canción principal de Mario?
La canción principal del juego se llama Ground Theme.
¿En qué año salió Super Mario Bros?
El videojuego fue lanzado en 1985 para la consola
Nintendo Entertainment System (NES).
¿Por qué la música de Mario es tan famosa?
Porque combina simplicidad, ritmo y repetición, lo que la hace
fácil de recordar y perfecta para acompañar la dinámica del juego.
Desde muy pequeño, Santiago García empezó a sentir pasión por el teatro y desde entonces empezó a perseguir ese sueño de conectar con las personas a través de las artes vivas. Con el tiempo aprendió a explorar el cuerpo y la acción escénica como herramientas de diálogo crítico con el presente.
Para él a un actor no lo define una titulación, sino con la convicción de que detrás de cada interpretación hay pasión, alma, corazón y disciplina.
“Yo inicio aquí en La Candelaria y también en otros espacios de las artes escénicas creyendo que el teatro es una herramienta de transformación social”, comentó.
El teatro como espacio de encuentro y transformación
Y es que además de ser actor, Santiago es creador escénico y formador. La creación colectiva y el teatro político alimentan su pasión, pues a través de estos halla espacios de encuentro y memoria.
En sus palabras, el teatro lo atraviesa todo, la cultura, el cuerpo tanto de los artistas como del público espectador, y esto es lo que lo hace un espacio para construir sociedad.
“Eso es lo más importante para mí como actor, trabajar en equipo, poder crear las obras, poder hablar, criticar y al mismo tiempo construir país. Tener el teatro como herramienta, permite hablar de lo que nos aqueja, lo que nos alegra para transformarlo en algo que nos aporte como sociedad”, explicó.
Es por esto que el actor promueve espacios de pedagogía teatral, en los que acompaña procesos formativos que para él son la manera de extender su práctica artística y poder hacer del teatro un espacio vivo de aprendizaje.
Bogotá y las artes vivas
Bogotá y el teatro tienen la capacidad de relacionarse gracias a la riqueza cultural de la capital, algo que se “vive constantemente porque está la oportunidad de ver muestras de diversas artes, de diversas expresiones no solo de la ciudad sino de otras partes de Colombia y el mundo”.
Para Santiago, más allá de que Bogotá haya sido el lugar donde nació, creció y se desarrolló artísticamente, es una ciudad que aporta constantemente a su vida profesional gracias a su amplia oferta cultural.
“Aquí he encontrado una gran variedad de referentes, tenemos una gran concentración de teatros, hay muchas artes y eso lo nutre a uno bastante como actor, como artista, como ciudadano”, destacó.
Así mismo agregó que la ciudad es un puente que permite comunicar muchas cosas a través del teatro que, en sus palabras, lo hace más personal y permite llegar al público bogotano y visitante que “es muy abierto y muy cálido”.
SOMA MNEMOSINE en el FIAV
El próximo 27 de marzo se abre el telón de la segunda edición del Festival Internacional de Artes Vivas de Bogotá, FIAV, y Santiago García será uno de los actores que compondrá el elenco de SOMA MNEMOSINE, la obra del Teatro La Candelaria que reflexionará sobre la memoria, el cuerpo y la historia como territorios vivos de resistencia.
“Esta obra intenta abordar el tema del cuerpo en estado de dolor y de júbilo, son dos fuerzas en pugna que se encuentran en la obra, donde los actores prestamos nuestro cuerpo, somos atravesados por ese dolor, por esos sentimientos extremos”, explicó el actor.
Esta propuesta escénica, dirigida por la reconocida dramaturga Patricia Ariza, se inscribe en la tradición de la creación colectiva del emblemático teatro y propone un viaje sensorial y poético en torno a las huellas que deja la violencia y las luchas sociales en los cuerpos individuales y colectivos.
“SOMA es un homenaje al maestro y director Santiago García, y también es un poema dramatizado, es la propuesta de accionar poemas y canciones, donde los personajes como la muerte deambulan y atraviesan toda la casa que es nuestro cuerpo vivo, que es nuestro espacio, donde bailamos. Es una obra multidisciplinar en la que nuestra intimidad está expuesta al público”, agregó.
Para García hacer parte del FIAV es una gran oportunidad para su carrera al ser la primera vez en la que participa de un festival de esta magnitud.
“El FIAV aporta enormemente a la ciudad porque pondremos la lupa sobre el teatro nacional y recibiremos también agrupaciones internacionales, y creo que es necesario ver estas obras y también para nosotros como artistas ver las distintas obras y compartir nuestras experiencias artísticas y teatrales en este evento tan importante”, concluyó.
El 21 y 22 de marzo se realizará el Festival de la Chicha en La Perseverancia, con música, tradición y actividades culturales abiertas al público.
Bogotá vuelve a encontrarse con una de sus celebraciones más representativas. El Festival de la Chicha, la Vida y la Dicha regresa a la localidad de Santa Fe con una programación que mezcla cultura, memoria y gastronomía tradicional.
¿Cuándo y dónde se realizará el Festival de la Chicha 2026 en La Perseverancia?
La edición número 26 del Festival de la Chicha, la Vida y la Dicha se llevará a cabo el sábado 21 y domingo 22 de marzo de 2026 en el parque Jorge Nova, en el barrio La Perseverancia.
Durante estos dos días, el evento reunirá a productores tradicionales de chicha, artistas locales y nacionales, así como organizaciones culturales, en un espacio que busca resaltar la identidad popular del sector y su legado histórico.
¿Qué actividades y cómo participar en el festival?
Presentaciones musicales con artistas locales y nacionales
Muestras gastronómicas tradicionales
Comparsas y teatro callejero
Juegos tradicionales y actividades comunitarias
Ritualidades ancestrales
Elección del Rey y la Reina del Festival
El acceso al evento es abierto, por lo que los asistentes pueden acercarse directamente al parque Jorge Nova durante las fechas programadas y recorrer libremente los espacios culturales.
Canal Capital transmitirá el sábado 21 de marzo a las 4:00 p. m. el concierto ‘Presencias – Sonidos & Ecos’, una conmemoración de la Emancipación Afrodescendiente a través de la música contemporánea, el jazz, el canto coral y la escena performática.
Un encuentro que reúne a grandes exponentes de la escena nacional e internacional para dar vida a una experiencia cultural única, profunda y emocional.
Este concierto – ceremonia busca trascender el concepto de concierto tradicional y mutar a una ceremonia audiovisual de memoria, identidad y celebración, una forma de reparación simbólica para las víctimas y para la sociedad entera, y un acto de aprendizaje profundo en un mundo que tiende a olvidar.
Un encuentro con grandes presencias
La tarde iniciará con las obras del compositor Francisco Zumaqué, figura fundamental de la música afrolatina contemporánea. Su lenguaje entrelaza música sinfónica, jazz y tradiciones afrocaribeñas en piezas escritas para coro y orquesta. En esta ocasión, se hará el estreno mundial en su versión sinfónico-coral.
Así mismo, el encuentro contará con la dirección musical de la colombiana María Camila Barbosa, al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional de Colombia, y con Diana Carolina Cifuentes dirigiendo el Coro Nacional de Colombia.
También acompañarán la noche la compositora cubana Tania León, ganadora del Pulitzer Prize for Music 2021, quien presentará Stride, una obra escrita para conmemorar el centenario de la Nineteenth Amendment de la Constitución de Estados Unidos, que garantizó el voto femenino.
Finalmente, la compositora mexicana Gabriela Ortiz presentará Yanga, una obra inspirada en Gaspar Yanga, líder de la rebelión de esclavizados en México en el siglo XVII, que se ha convertido en una de las obras más celebradas de la música contemporánea latinoamericana.
No se pierda ‘Presencias – Sonidos & Ecos’ por la pantalla de Canal Capital en Claro 116, ETB 256, DIRECTV 143, Movistar 164 y 113, TDT, TIGO 105, además de la página web, YouTube y Facebook.
