La historia de la música contemporánea no se entiende solo por lo que suena: también por lo que se ve. Las portadas de discos han sido manifiestos culturales, piezas de arte visual y, en muchos casos, símbolos de resistencia. Desde Londres y Nueva York hasta México, Buenos Aires y Bogotá, estas 15 cubiertas muestran cómo la música se escucha también con los ojos.
The Beatles – Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967, Reino Unido)
El collage de Peter Blake y Jann Haworth reunió a escritores, políticos, artistas y figuras históricas junto a los Beatles vestidos con uniformes coloridos. Esta portada no solo capturó la psicodelia de los años 60, sino que además convirtió al rock en un vehículo artístico y cultural de alcance masivo. Fue una declaración de intenciones: el álbum debía entenderse como obra total, no solo como música, sino como arte en conjunto.
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Pink Floyd – The Dark Side of the Moon (1973, Reino Unido) 
Un prisma que descompone la luz en colores se convirtió en uno de los íconos más reconocibles del rock progresivo. El diseño de Hipgnosis resumía con sencillez la complejidad musical de Pink Floyd. La portada fue un símbolo de sofisticación y, a la vez, un gesto minimalista que trascendió el tiempo y se instaló en la cultura popular como imagen universal.
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The Velvet Underground & Nico – The Velvet Underground & Nico (1967, EE. UU.)
La banana amarilla diseñada por Andy Warhol rompió con cualquier convención. Minimalista y provocadora, la portada invitaba a ‘pelar’ la imagen en las primeras ediciones. El álbum fue ignorado en su tiempo, pero se convirtió con los años en la biblia del rock experimental. Hoy, esa banana es sinónimo de arte pop y de resistencia cultural.
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Nirvana – Nevermind (1991, EE. UU.)
La portada muestra un bebé desnudo bajo el agua intentando alcanzar un billete de dólar. La imagen, tan perturbadora como potente, se convirtió en metáfora de la sociedad capitalista y de la inocencia arrebatada. El disco fue un terremoto cultural que catapultó el grunge y convirtió a Kurt Cobain en voz de una generación marcada por la rebeldía y la angustia.
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The Rolling Stones – Sticky Fingers (1971, Reino Unido)
Andy Warhol desafió las normas con una portada que incluía una cremallera real en los primeros vinilos. El gesto fue tan provocador como el contenido del álbum: crudo, sensual y descarado. El diseño reflejó a la perfección la irreverencia de los Rolling Stones y el espíritu de los años 70, donde la música se fusionaba con la libertad sexual y la transgresión.
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Soda Stereo – Signos (1986, Argentina)
La portada de Signos representó un quiebre en la estética del rock en español. Mientras la región vibraba con colores estridentes, Gustavo Cerati y Soda Stereo optaron por la sobriedad y el minimalismo. Ese contraste marcó un antes y un después, posicionando a Soda como líderes de la modernidad musical en América Latina.
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Caetano Veloso – Tropicália ou Panis et Circencis (1968, Brasil)
Este álbum colectivo reunió a los principales exponentes del movimiento tropicalista, entre ellos Caetano Veloso y Gilberto Gil. La portada, colorida y vibrante, reflejaba la mezcla de modernidad y tradición que proponía el movimiento. Fue un manifiesto visual y sonoro contra la dictadura y a favor de la libertad estética en Brasil.
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The Clash – London Calling (1979, Reino Unido) 
La fotografía de Pennie Smith muestra al bajista Paul Simonon destruyendo su instrumento en plena actuación. Es la esencia del punk condensada en un instante: rabia, energía y catarsis. El uso de la tipografía de Elvis Presley fue un gesto de homenaje y confrontación, uniendo pasado y presente del rock.
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David Bowie – Aladdin Sane (1973, Reino Unido)
El rayo rojo y azul sobre el rostro de Bowie definió la estética glam. Fue mucho más que maquillaje: representó la capacidad de Bowie para reinventarse en cada proyecto. La portada convirtió a Bowie en un ícono cultural que trascendió la música para instalarse en la moda y el arte contemporáneo.
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Joy Division – Unknown Pleasures (1979, Reino Unido)
La portada diseñada por Peter Saville se basó en un gráfico de ondas de radio de un púlsar. Sin nombre de la banda ni del álbum, fue un acto de radical minimalismo. Con los años, el diseño trascendió la música y se convirtió en ícono de la moda, el diseño gráfico y la contracultura.
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Juan Gabriel – Recuerdos, Vol. II (1984, México)
El ‘Divo de Juárez’ apostó por una estética teatral y elegante que reforzó su figura como gran intérprete romántico. La portada es reflejo de un artista en plena madurez creativa y de un disco que se convirtió en clásico de la música popular mexicana.
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Fania All-Stars – Live at Yankee Stadium (1975, EE. UU. – Puerto Rico/Cuba)
La salsa alcanzó el mainstream global con este concierto en el Yankee Stadium. La portada muestra la magnitud de un movimiento musical que trascendió fronteras. Fue la consagración de la Fania y de la salsa como fenómeno cultural y social.
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Kendrick Lamar – To Pimp a Butterfly (2015, EE. UU.)
Frente a la Casa Blanca, un grupo de afroamericanos celebra sobre el cuerpo de un juez caído. La portada es tan política como las letras de Kendrick Lamar: denuncia, identidad y cultura afroamericana en un mismo golpe visual. El disco es considerado ya un clásico contemporáneo.
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Café Tacvba – Re (1994, México)
El collage musical surrealista de Rubén Albarrán reflejó la diversidad sonora y estética del disco. Cada canción parecía venir de un mundo distinto, y la portada abrazaba ese caos creativo. *Re* fue bautizado como el ‘White Album’ latinoamericano por su ambición y trascendencia.
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Aterciopelados – El Dorado (1995, Colombia – Bogotá)
Andrea Echeverri y Héctor Buitrago dieron vida a un disco colorido y poderoso que puso a Bogotá en el mapa del rock latino. La portada, vibrante y pop, reflejaba un espíritu juvenil y urbano. *El Dorado* abrió las puertas a la internacionalización de la música colombiana y consolidó a Aterciopelados como referentes continentales.
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